Eine echte Rarität Premiere im Salzburger Landestheater: Friedrich von Flotows "Martha". Mitte des 19. Jahrhunderts war sie die meistgespielte Oper weltweit, heute wird sie nur noch selten aufgeführt. Mit ihrer modernen Inszenierung lieferte Regisseurin Christiane Lutz ein Paradebeispiel dafür, wie sich klassische Stoffe erfolgreich in die Gegenwart übertragen lassen. (APA)

Aus einer romantisch-komischen Oper wird eine heitere Rom-Com. Uneingeschränkter Jubel! (Salzburger Nachrichten)

Regisseurin Christiane Lutz gelingt das Kunststück, das komödiantische Potential des Werks mit der psychologischen Ernsthaftigkeit der Figuren zu verweben. Sie verlegt die Handlung in die Gegenwart, aus der Adelsgesellschaft werden Studenten eines Nobel-Colleges in London, Lyonel und Plumkett sind Inhaber einer Fahrradwerkstatt. Wenn die vier Protagonisten nun singen "Wie lustig sich das Rädchen dreht" geht es also nicht mehr um die ursprünglichen Spinnräder. Lutz erzählt das Stück als Spiel mit en Identitäten und gesellschaftlichen Fassaden, wobei der ironische Ton nie zum Selbstzweck wird, sondern das emotionale Zentrum der Handlung betont.Die Figurenzeichnung ist detailreich und auch die Personenführung des Chores zeichnet sich durch Detailverliebtheit aus. Jede Nebenhandlung wird sorgfältig geführt, ohne den Fluss der Erzählung zu überfrachten. Der klassische Rollentausch wird hier nicht bloß belächelt, sondern als subtile soziale Spiegelung inszeniert - mal mit einem Augenzwinkern, mal mit spürbarer Melancholie. (IOCO - Kultur im Netz)

Was auf den ersten Blick als fraglich, wenn nicht gar unlogisch wirkt, wird in Christiane Lutz‘ psychologisch dichtgewebter Inszenierung plausibel, ja geradezu zwingend. Ihre Salome stirbt einen Liebestod, jenem (für die Regisseurin) zentralen Satz folgend, den Salome sagt, kurz bevor ihr der Kopf des Jochanaan vom Page gereicht wird: „Das Geheimnis der Liebe ist größer als das Geheimnis des Todes.“ (…) 

So steht es im Libretto und so pointiert, so „perfide“ inszeniert Lutz diese Szene:  als Abbild der Abscheulichkeit, als Metapher für eine fehlgeleitet-fatale Begierde. (…) Mit einem Wort: fantastisch.
Das Tolle daran: in der Überzeichnung treffen sich Inszenierung und musikalische Umsetzung. Nichts und niemand ist hier normal. 

Wenn man Zeuge wird, wie sich Salome in Gegenwart ihrer hilflosen Mutter und ihres verkommen Stiefvaters zu den düsteren, chromatisch schabenden Klängen ihre Adern aufritzt, dann spürt man die Absurdität und Vergänglichkeit des Seins. Aber eben auch die ungeheuere Macht, die eine wahre, große, einsame Liebe in sich bergen kann. Und das ist doch immerhin ein Trost.

Eine großartige Opernaufführung (…) Lutz inszeniert die sexuellen Bilder deutlich, sinnlich, aber nicht plakativ ordinär- eine Gradwanderung (…) 

Als Metaxaki schließlich vor dem Angesicht des toten Jochanaan ihr „Ach, ich habe dein Mund geküsst“ singt, ist das Auditoriums zutiefst berührt und still. Tosender, lang anhaltender Applaus brandet auf, als sich der Vorhang wieder hebt und die Protagonisten mit Regieteam auf der Bühne erscheinen. Belohnung für eine sensationelle, hochkarätige künstlerische Leistung. (Opernwelt 1/23)

Einer jener Abende, die lange im Gedächtnis bleiben. Ein hochdramatisches Spiel um Gier, Macht und Begehren, das unter die Haut ging. Christiane Lutz ließ Salome in einer minimalistischen Szenerie spielen. Kahle Wände, kaum Requisiten- nichts lenkte von der Musik von Richard Strauss ab, im Gegenteil. Nur selten sieht man Opern-Inszenierungen, die so dicht an der Musik bleiben, wie an diesem Abend. Jede Bewegung, jeder große und kleine Gang, spiegelte die Klang-Welt der Oper wider, und die hat es in sich. Kammermusikalische Passagen werden durch gewaltige Erruptionen gebrochen, schrille Dissonanzen folgen auf lyrische Episoden. Musikalische Vielfalt und ausgefeilte Personenregie ergänzten sich kongenial, es entstand ein theatralisches Gesamtkunstwerk. (…)

Ein wunderbarer Opernabend, spannend von der ersten bis zur letzten Szene, ein Abend, der die Kraft der Musik in den Mittelpunkt stellte und so zum Erlebnis wurde. Das Publikum war begeistert, der Beifall wollte kein Ende finden. So schön und fesselnd kann Oper sein. (Jürgen Feldhoff, Lübecker Nachrichten)

Diese ausgezeichnete Inszenierung, der das Premierenpublikum mit atemlosen Gebanntsein folgte und die sie mit langanhaltendem, jubelndem Beifall bedachte, muss man einfach sehen! (…) Wieder einmal konnte man sich überzeugen, dass die Hansestadt stolz auf eine erstklassige Opernbühne sein darf, denn die Produktion in der Regie von Christiane Lutz und unter der musikalischen Leitung von GMD Stefan Vladar ist ein Gesamtkunstwerk von höchster Qualität.

Das Bühnenbild von Christian Tabakoff, der auch die Kostüme entworfen hat, lässt erst gar keine orientalisierende Wohlfühlatmosphäre aufkommen und verfügt lediglich über den Saal des Herodes mit riesigem, krakenartigem Designerleuchter und den Küchen- bzw. Servicebereich mit Edelstahlanrichte, hellen Kacheln und hoher, grob verputzter Wand, die jeweils herabgelassen bzw. hochgezogen wird. Der minimalistischen Einrichtung entspricht der Mangel an Liebe, echter Familiarität und Aufrichtigkeit im Palast des Herodes und seiner Gattin Herodias, der Witwe seines Bruders – solch eine Verbindung galt als Blutschande im antiken Galiläa. Diese Sippe erinnert an eine dieser neureichen Familien im sündhaft teuren Wannsee-Glasbungalow aus dem „Tatort“, wo man schon am Anfang ahnt, dass deren Mitglieder sich entweder gegenseitig umbringen oder im Wahnsinn enden. De profundis ruft der Mahner Jochanaan aus der Zisterne, die hier passend mit einer in sich leuchtenden, tellerähnlichen Abdeckung versehen ist und auf die spätere Darreichung des abgeschlagenen Täuferhauptes auf der Silberschale.

Christiane Lutz setzt in ihrer detailliert gestalteten Personenregie einerseits auf knallharten Realismus im Ausdruck von Emotionen oder Handlungen wie der imaginierten oder tätlichen Übergriffigkeit des Königs auf seine Stieftochter. Andererseits spielt sie mit Tableaus oder der Darstellung von Beziehungen durch Berührungen oder Distanzierungen sowie einer spielerischen Zeichenhaftigkeit, indem beispielsweise Salomes Schleier und andere Kleidungsstücke als Bänder oder Fesseln ein Miteinander, eine Abhängigkeit oder eine Dominanz in der Interaktion symbolisieren. Es erinnert manchmal etwas an Johann Kresniks semiotisch aufgeladene Ausdrucksformen, in denen die Akteure in gemeinsamen Figuren spezifische Beziehungsaspekte wiedergeben

(…) Eine solche Inszenierung kann nicht platt enden, im Sinne von „Salome dreht endgültig ab und Herodes lässt sie töten“, denn „das Geheimnis der Liebe ist größer als das Geheimnis des Todes“. In dieser Familie liebt niemand den anderen, letztlich sind alle auf ihre Art einsam. Salomes Trauma ist darin begründet, dass ihre Mutter in ihrer Egomanie sie nie wirklich wahrgenommen hat, deswegen ist sie so geworden, wie sie ist. Eigentlich sehnt sie sich nach Liebe, aber kann mit ihr nicht umgehen; sie hat sie ja nie wirklich erlebt. An ihre Stelle treten Gier, das maßlose Ausloten der eigenen Möglichkeiten und eine tödliche Biestigkeit. Die Einsicht, dass ihr der Weg zu einem wahrhaften, liebevollen Miteinander offenbar versperrt ist, führt zum Entschluss, sich das Leben zu nehmen. Wie das geschieht und dann auch noch stimmig mit Herodes letztem Satz, „Man töte dieses Weib!“, der das Drama beschließt, übereingebracht wird, sei hier nicht verraten. 

Diese ausgezeichnete Inszenierung, der das Premierenpublikum mit atemlosen Gebanntsein folgte und die sie mit langanhaltendem, jubelndem Beifall bedachte, muss man einfach sehen!  (Online Merker, Dr. Andreas Ströbl)

Oper Klosterneuburg